Salvador Dalí

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Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, representante supremo del surrealismo, marqués de Dalí de Púbol, o simplemente Dalí fue un gran pintor, escultor, dibujante, escenógrafo y escritor español del siglo XX. (1904-1989)

 Una de sus pinturas más célebres es “La persistencia de la memoria” (también conocida como Los relojes blandos), realizada en 1931.

Tomó esta pintura de inspiración para crear el grupo de esculturas de bronce entre 1975 y 1984.

Perfil del Tiempo, 1977 – Salvador Dalí

Bronce dorado con pátina verde, negra y café

Museo Soumaya, Ciudad de México.

La idea de hacer relojes derretidos parte de la consigna de mostrar que el tiempo que marca el reloj convencional es preciso, éste no…

Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca, antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando. -Salvador Dalí                                           ---------------------------------------------------------

Y de regalo  les dejo dos pinturas extraordinarias: 

Cisnes reflejando elefantes 1937, Salvador Dalí

Simplemente el surrealismo a la máxima expresión.

 

Muchacha en la ventana, pintada en 1925.

 

·            Estilo: Surrealismo

·            Técnica: Óleo sobre cartón piedra

·            Ubicación: Museo Reina Sofía, Madrid

 En esta obra tiene una de sus primeras apariciones su hermana Ana María, la cual participará luego en una serie de pinturas que le darán el título de modelo preferida del artista.

Me resulta intrigante imaginar que está pensando, mirando por la ventana en la casa de vacaciones que poseían en Cadaqués. ¡Disfruten!

Paul Cézanne

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Un 22 de octubre de 1906, fallece este reconocido pintor francés impresionista y postimpresionista Paul Cezanne.

Los jugadores de cartas – Paul Cézanne

Estilo: Impresionismo

Técnica: Óleo sobre Lienzo

Quinta y última versión: 1894-95, óleo sobre lienzo, 47,5 × 57 cm Museo d´Orsay, París.

 

Este cuadro pertenece a una serie de dibujos y bocetos que realizó Cezanne entre 1890 y 1895. Si observamos la primera versión, había cinco jugadores. 

Primera versión: 1890-92, óleo sobre lienzo, 134,6 × 180,3 cm 

Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania

Así continúa, jugando con los colores y las formas, hasta llegar a la publicada, que es la quinta y última versión.  A principios de 2012 uno de los cuadros de la serie llegó a ser adquirido por una familia real catar, y así considerarse el cuadro más caro del mundo, alcanzando 250 millones de dólares.

Segunda versión: 1890-92, óleo sobre lienzo, 65,4 × 81,9 cm 

Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Tercera versión: 1892-93, óleo sobre lienzo, 97 × 130 cm Colección privada

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Hoy les dejo una obra de Augusto Miller, pintor argentino, nacido en 1967 y quien reparte arte por todo el mundo. Oriundo de Mendoza, inició sus trabajos a edad muy temprana ya que de niño sintió atracción por el dibujo y los colores. Desde 1995 expone en galerías internacionales.

Miller se califica: “... Sin tener un estilo aún definido puedo decir me ubico dentro del expresionismo, aunque la búsqueda como artista continúa. No pienso en la inspiración para pintar sino más bien creo en la intuición también considero que como artista autodidacta la búsqueda es permanente hasta encontrar un lenguaje, una manera de pintar que me identifique….       

Las concertistas

Entre Flores

Gabriel Pacheco

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El ilustrador mexicano Gabriel Pacheco nació en 1973 y tiene, para mi gusto un estilo adorable. Su primer trabajo fue encargado por su hermana para ilustrar un cuento escrito por ella. De ahí en más no dejó de trabajar. Abordó distintas temáticas: infantil, poesía y literatura fantástica. Es reconocido internacionalmente ya que sus libros ilustrados se publican en España, Francia e Italia, donde reside hace ya varios años. El director de la Sármede, la escuela más antigua de ilustración en Italia. 

Los cuatro amigos

Taller de corazones

Tres niñas

Modigliani

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Jeanne Hebuterne con gran sombrero. 1918-1919 – Amedeo Modigliani

Este rostro representa a la protagonista femenina de una triste, trágica, pero apasionada e intensa historia de amor. Amedeo “Modi” y “Jeanne” se conocieron en 1917 en París. A pesar de las diferencias sociales y económicas que los apartaba, se inició una ardiente y tumultuosa relación. Jeanne también era pintora, bohemia y exótica en su manera de vestir, lo que la hacía llamativa a los hombres. En 1920 Modi enfermó muy grave, pero mucho no le importó, siguió con su vida desordenada e indisciplinada que lo llevó a la muerte con tan sólo 35 años. Jeanne, con una niña de un año y embarazada de ocho meses no soportó la ausencia de su Modi y se suicidó, arrojándose por una ventana de un quinto piso. Tenía apenas 21 años…

Las últimas palabras de Modigliani las pronunció cuando lo estaban asistiendo antes de fallecer, a su amigo Ortiz Zarate: “He dado el beso de despedida a mi mujer. Tenemos asegurada la felicidad eterna”.

Y como yapa, les dejo una pintura de alguien que también fue muy importante en la vida de este gran artista italiano, la polaca Lunia Czechowska. Apareció en más de diez retratos de su autoría; resultó ser una de sus modelos preferidas. ¡Disfruten!

 Retrato de Lunia Czechowska- 1919

Spilimbergo

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Lino Claro Honorio Enea Spilimbergo, más conocido como Lino Spilimbergo fue un gran pintor y grabador argentino (1896 - 1964). A pesar de sus problemas de salud desde muy temprana edad, trabaja y estudia hasta que, se recibe de profesor nacional de Dibujo de la Academia Nacional de Bellas Artes. Luego llegaría su estadía en San Juan, la cual se produjo por consejo médico, alegando que el clima seco ayudaría con el asma crónico que padecía.

Me atrevo a afirmar que junto a Xul Solar, Pettoruti, Berni y Quinquela Martin, fueron los grandes artistas argentinos de principios de siglo XX.

Paisaje de San Juan – 1929

Materiales: Óleo sobre tela: 127 x 154 cm

                                                   

Quinquela Martín - Parte II

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Es el segundo posteo que le dedico a este gran pintor argentino: Benito Quinquela Martin.

Víctor Fernández, el director del Museo de Bellas Artes "Benito Quinquela Martín” comentó en alguna oportunidad:  "La Boca, su gente, el pulso cotidiano de las calles del barrio fueron musa inspiradora". Y agrega: "Cuando afirma su vocación y su lenguaje, cuando empieza a ser Quinquela va a adoptar una temática, un repertorio, una iconografía que se va a autoimponer como su marca y se va a sentir imposibilitado de pintar otra cosa que no sea La Boca".

"Las pinturas de Quinquela no son paisajes sino escenarios. El escenario del trabajo, del esfuerzo, de la transformación de la obra humana. El Riachuelo es el desencadenante de esa gran obra que deriva en ciudades pujantes, en sueños de progreso".

 

Reflejos – 1963 Óleo sobre aglomerado 124 x104 cm 

 

Quinquela Martin - Parte I

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Y llegó el turno de Benito Juan Martín más conocido como Benito Quinquela Martín, el pintor carbonero (1890-1977). Fue abandonado al nacer en la casa de Niños Expósitos y varios años después lo acogió la familia Chinchella, dueños de una carbonería. De ahí el apodo de pintor carbonero y el nombre Quinquela, sería producto de italianizar la palabra original Chinchella…

Quinquela Martín es considerado uno de los pintores argentinos más populares. Sus pinturas rondan siempre en el mismo ambiente: el trabajo diario en el puerto de La Boca, su mundo. ​ Quedó impactado con una frase que leyó en un texto de Rodin y la cual siguió al pie de la letra durante toda su carrera: "Pinta tu aldea y pintarás el mundo."

Tuvo reconocimiento internacional. Sin embargo, quiso permanecer más tiempo en su tierra, él decía "La Argentina necesita de artistas, y, en consecuencia, considero que mi trabajo pertenece a mi país".

Le faltó educación académica, no se lo podía encasillar en ninguna corriente pictórica, le sobró creatividad, sentimiento y estilo.

El Puerto y el Trabajo, es una pintura que pertenece a la serie de trabajos junto con El Fuego y el cementerio de Barcos están exhibidas en la Casa Museo, donde habitó Quinquela.

 

Sarah Bernhardt - Parte II

 

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Después de la tormenta - Sarah Bernhardt – 1876

Escultura en mármol – 75 x 61x 58,4 cm

National Museum of Women in the Arts, Washington D.C

 

¿Seguimos disfrutando del increíble talento de la famosa “actriz” Sarah Bernhardt?

 

Por esta obra, en 1876, recibió la medalla de plata en el Salón de Paris. La obra describe a una mujer bretona sosteniendo el cuerpo sin vida de su nieto, atrapado entre las redes de pescador.

Sarah fue testigo de dicho penoso acontecimiento en la que el niño había muerto, sin embargo, ella lo representa sosteniendo fuertemente con su mano las faldas de la abuela, lo que da cierto toque esperanzador. Es una gran pieza naturalista que muestra una singular similitud con La Piedad de Miguel Ángel. Es tan compleja y goza de una perfección anatómica de altísima calidad, que llegó a rumorearse que era imposible que lo haya logrado ella sola. Hasta se llegó al punto de poner en duda la participación de Sarah... 

¿Cómo una frágil mujer iba a ser creadora y realizadora a la vez de semejante belleza?

 

Raúl Soldi

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 Raúl Soldi (1905-1994) fue un gran pintor argentino reconocido mundialmente. Además de sus pinturas se desarrolló como escenógrafo en Hollywood. La Santa Sede, Museo del Vaticano en Roma, conserva dos de sus cuadros: "La Virgen y el Niño" y "Santa Ana y la Virgen Niña". Los frescos pintados en la iglesia de Santa Ana, en Glew, localidad de Buenos Aires, fue una de sus obras más renombradas.

 Hoy les dejo Los músicos – 1956

            Óleo sobre lienzo 110 x 151 cm

            Colección Particular

Niña vestida de rosa - 1943

Tempera sobre madera terciada : 56x40,5 cm

Sarah Bernhardt - Parte I

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Hoy: Sarah Bernhardt

 Si mencionamos a Sarah Bernhardt, lo primero que nos viene a la mente es la gran actriz francesa interpretando La Dama de las Camelias de Alejandro Dumas en algún teatro de París. Pero muy poco se sabe de sus obras pictóricas y escultóricas que merecen un párrafo aparte.

 Fue una mujer muy talentosa, intensa, llena de energía y potencial que supo distribuir muy bien a lo largo de su vida. Y su creatividad la expresó de diversas formas…

 Expuso varias veces en el Salón de Paris y recibió premios y distinciones honoríficas en ambas disciplinas. Fue juzgada y atacada por parte de la prensa y de los más importantes escultores de la época, el mismo Rodin se encargó de criticarla. El motivo: era una mujer escultora, y muy buena, además.

 Mathieu-Meusnier fue el encargado de enseñarle las técnicas apropiadas para luego poder exponer en certámenes y galerías y así alcanzar cierta notoriedad.

Su producción fue vasta, realizando obras, bustos, grupos escultóricos y bajos relieves, en mármol y en bronce.

Emile Zola dijo: “¡Qué gracioso! No contentos con encontrarla delgada o declararla loca, quieren regular sus actividades diarias, … Dejemos que se apruebe una ley de inmediato para evitar la acumulación de talento”.

 

“La muerte de Ofelia” (1880) Sarah Bernhardt-

Relieve en Mármol - Colección privada

 Se considera como una de sus obras más bellas y goza de una gran calidad en su ejecución. Está inspirada en la obra teatral Hamlet de William Shakespeare. 

Raquel Forner

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Raquel Forner fue una gran pintora y escultora argentina. (1902-1988).  Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes obteniendo el título de profesora de dibujo en 1922.

Sus obras tuvieron una particularidad: se dividían en Series, en las cuales fue producto de inspiración las tragedias que azotaron al mundo. Así fue como desarrolló la Serie de España (1937) por la Guerra Civil Española, El Drama (1939-1947) por la Segunda Guerra Mundia, Las Rocas (1947-1948), Las Banderías, Los Estandartes, La Farsa (1948-1952), El Lago (1953-1954), El Apocalipsis (1954-1956), Piscis (1956-1957) y por último, las Series del Espacio. Tuvo un continuo reconocimiento tanto acá como en el exterior. Obtuvo varios premios. Participó de exposiciones hasta sus últimos años. Murió en la misma ciudad en 1988. Es más, sus obras participaron en el 2016 en la Galería Alejandro Faggioni “Espacio de Arte”, Buenos Aires.

 

“…Cuando me enfrento a una tela en blanco, comienzo la aventura maravillosa que es para mí la creación de una obra; me siento inmensamente feliz y privilegiada”. Raquel Forner.

 

ICARO, Raquel Forner - 1944 - Serie El Drama.

  Óleo sobre tela (110 x 80 cm.) -  Colección:  Fundación Forner-Bigatti.

 Icaro fue un personaje muy representado a lo largo de la historia. Pero el Icaro de Forner tiene algo especial, que atrapa, subyuga, inquieta…

 “…los acontecimientos que han llenado de sombras nuestra edad se convirtieron, insensiblemente, sin proponérmelo, en la sangre misma de mi pintura”. Raquel Forner.

 

Mujeres del Mundo – 1938 Raquel Forner

   

Óleo sobre tela 170 x 238 cm - Colección: Fundación Forner-Bigatti

. “La composición no es complicada. La figura central es América, inclinada a la tierra con un haz de espigas. América está en paz, pero a ella llega el clamor del mundo. Detrás de ella están China (a la izquierda, con la cara semita tapada por el antebrazo) y España (a la derecha) en plena actitud de angustia. Y a los costados del cuadro he colocado dos figuras del padecimiento: una madre que aún parece acunar a su hijo muerto (apenas insinuado por una forma vaga) y una esposa que, después de haber perdido a su compañero, toma la hoz para no perder el ritmo del trabajo. Como fondo, y bajo el terror de los aviones que se alejan, cumplida su misión de muerte, un panorama de aldea bombardeada.” Whitelow, Guillermo: Raquel Forner. Ediciones de Arte Gaglianone, Buenos Aires, 1980.

Camille Claudel - Parte II

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Sakuntala – (o Sakountala o Çacountala), Camille Claudel

Fue realizada en varias versiones en diferentes medios a partir de 1886.

En el Museo de Orsay de París hay un estudio de terracota de 1888.

El Museo Bertrand tiene una versión en yeso de 1888. 

Claudel trabajando en la versión en yeso, en 1887

Hay versión de mármol terminada y fundiciones de bronce de 1905.

 Ésta es una versión de mármol de 1905 y rebautizada como Vertumnus et Pomona por el Museo Rodin de París, ha sido definida como "una de las obras maestras más famosas y reconocidas creadas por Camille Claudel".

La escultura representa el reencuentro de Shakuntala con su esposo Dushyanta después de una larga separación. (Personajes de la famosa obra del poeta indio Kālidāsa)